1. La lista de Schindler
El director Steven Spielberg no consiguió el permiso para firmar dentro de Auschwitz, así que las escenas del campo de exterminio fueron rodadas justo al lado, en un escenario construido como una copia exacta del emplazamiento real.La persona que pone las flores sobre las piedras en los créditos finales es Liam Neeson y no Spielberg como la gente cree.Martin Scorsese no quiso dirigir la película en los años 80, porque pensaba que al no ser judío no podría hacer una buena película sobre este tema.Para el papel de Oscar Schindler se pensó en los actores Kevin Costner y Tom Hanks, aunque finalmente fue Liam Nielson el que lo encarnó, cautivando a Spielberg por su forma de actuar.El actor Ralph Fiennes, que saltó a la fama con este film, engordó 15 kilos para encarnar al sanguinario Amon Goetz, jefe del Sonderkommando de Austchwitz.
Al final de la película, se ve un plano de la tumba de Schindler, en el Cementerio de los Hombres Justos (Jerusalén). Sobre la misma, siguiendo una costumbre judía, varias personas van apareciendo en pantalla y dejando una piedra como señal de agradecimiento eterno. Dichas personas son los verdaderos judíos a los que Oskar Schindler salvó la vida y algunos descendientes de los que ya han fallecido, que acuden a honrar a su benefactor acompañados de los actores que les interpretan en el film.
2. La rapidez de Bruce Lee
Bruce Lee era tan rápido, que tenían que disminuir la velocidad en las películas para que se notaran sus movimientos, en todas las demás películas de artes marciales aumentan la velocidad.
3. Chaplin y su participación en un concurso de imitadores
Charlie Chaplin
Se sabe que Charlie Chaplin, el famoso actor, director, escritor y productor de cine; una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin. Sin embargo, no alcanzó ni las finales, increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda. En una entrevista realizada para el Chicago Herald el 15 de Julio de 1915 Chaplin relata la historia con gran ironía y comentó que fue: “tentando a darles lecciones de la “caminata de Chaplin”, por pena y también deseando ver la cosa hecha correctamente”. No obstante, para el jurado Chaplin no era suficientemente bueno imitando a Chaplin y el premio fue otorgado a un hombre de nombre Milton Berle.Hay una versión falsa de ésta anécdota que dice que Chaplin se alzó con el tercer puesto. Sin embargo es mentira ya que Chaplin ni siquiera llegó a las finales.Si bien la anécdota es de no creer, Snopes, el sitio que se dedica investigar leyendas urbanas, descubrió un recorte del Chicago Herald con la entrevista confirmando la veracidad del hecho.
4. Las únicas películas de Disney en dónde no mueren los padres de los protagonistas
101 dálmatas, Mulán, La Bella Durmiente y Peter Pan (Wendy), son las 4 únicas películas de Disney en que no muere alguno de los padres de los protagonistas.
5. Los diálogos en “El Gladiador”
En “Gladiador” Russel Crowe no estaba de acuerdo con los diálogos, en la frase “obtendré mi venganza en esta vida, o en la otra” dijo al escritor “tu escribes basura, pero por suerte soy un gran actor, que hasta tu basura hago que suene bien”
6. Jarabe de chocolate en la escena más famosa de “Psicosis”
Jarabe de chocolate fue usado como sangre en los famosos 45 segundos de la escena de la ducha de “Psicosis” de Alfred Hitchcock.
Para realizar la animación es necesaria una mesa con un cristal que se encuentre iluminada por la parte inferior.La función de la arena será entonces dejar pasar mayor o menor cantidad de luz en el cristal dando lugar así a una imagen que será grabada o fotografiada por encima de la mesa de trabajo. De esta forma según la opacidad creada por la arena la luz creará distintas tonalidades. Para crear colores basta con emplear arenas de distintos colores, eso sí, que tengan las cualidades de granulometría para poder trabajar con ellas.Una vez encendida la mesa, el trabajo consiste en hacer dibujos con la arena e ir fotografiando cada cambio que se realice. Es algo similar a los dibujos animados con la complicación que conlleva el quitar y poner material para fotografiar cada cuadro.
La arena y sus diferentes formar de trabajar con ella son un mundo dominado por el género femenino. Ya su pionera Caroline Leaf, de origen estadounidense y canadiense, en 1968 realizó su primer trabajo en la universidad de Harvard. Tiene por título «Sand, o Peter and the Wolf» y está realizado íntegramente con arena cuadro a cuadro.
Otro animador que empleó esta técnica fue Ferenc Cakó, un artista de origen Húngaro y cuyas temáticas son algo más ácidas que las de la canadiense. Sólo he podido encontrar dos cortometrajes realizados con arena y buscando he descubierto que también se atrevió con Clayanimation o animación con plastilina. Su estreno con la arena la realizó en 1987 con el cortometraje «Ab obo» que traducido viene a ser «El huevo». En él se puede ver transformaciones de dibujos que hacen referencia al origen, al huevo, al vientre y aquello que nos protege y da la vida o la quita. Destaca la unión de la animación con una parte en la que se alza un personaje hecho de arena y toma vida. Por lo que el punto de mira de la cámara cambia y la animación pasa a ser desde un plano horizontal en vez de vertical. Kseniya Simonova, por muchos conocida como «La Mujer de Arena». La verdad sea dicha, no es que sea la gran animadora Stop Motion con arena, pero si una maestra en la utilización de este tipo de material.
En la actualidad la cámara cinematográfica ha alcanzado niveles técnicos que eran inimaginables aun dentro de los mejores sueños de sus creadores. Sus dimensiones se ha reducido notablemente al igual que su peso, y sus características de definición, velocidad de filmación, medio de almacenamiento, espectro de color,alcance, etc, han permitido crear dispositivos casi profesionales que son fácilmente portátiles.
Existen algunas discrepancias entre el material encontrado, dependiendo de su procedencia, algunos sitúan Thomas Edison como creador de la primer cámara moderna, mientras que otros los ubican antes a los hermanos Lumiere. La diferenciación es clara igualmente, aunque parecidos los inventos no son idénticos. El Kinetoscopio de Edison fue el primer equipo en utilizar una película de 35 mm, los primeros intentos por conseguir cine panoramico (cineorama) el inventor fue Grimoin-Sanson la idea consistía de 10 proyectores de 70 mm sincronizados proyectando imágenes en pantallas dispuestas en un círculo de 360º. El projecto fue puesto en marcha en la Expo de Paris de 1900 donde la instalación simulaba un viaje en globo por la ciudad. La instalación se cerró el 4º día por miedo a que el calor de los proyectores causase un incendio. Sin embargo, similares instalaciones han aparecido durante este siglo. Para los años de 1902 ya existen intentos de conseguir imágenes en color. En algunos casos esto se lograra con fotogramas tintados, pero en otros, como es el caso del filme de George Melies, el color se consigue coloreando a mano cada fotograma de la película (16fps).
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Para febrero de 1917 nace el TECHNICOLOR que sera el principal sistema para conseguir imágenes en color durante décadas. La cámara grababa en filme en blanco y negro a través de un filtro rojo y otro verde. Debido a esto requería el doble de velocidad para grabar y proyectar. El proceso era muy costoso y requería de ajustes por lo tanto su uso no se popularizaría hasta los años 30. En febrero de 1923 Kodak introduce las cámaras de 16 mm, como una alternativa más barata a las de 35 mm. Este tipo de cámaras iría principalmente dirigido al mercado de películas caseras. Aun así, debido a sus bajos costes y al efecto nostálgico, este tipo de cámara se ha usado varias veces en el cine.
En mayo de 1929 Fox Film Corporation desenvuelve un sistema panorámico de 70 mm conocido como Fox Grandeur, que usara en varias películas, cortos y noticiarios. Sin embargo, en plen depresión, los costes de convertir los projectores de las salas de cine para adaptarse a este sistema fueron demasiados y no llegó a extenderse. La película «La gran jornada» fue rodada en 35 mm y en 70 mm con esto en mente. Tras la popularidad del formato 16 mm, Kodak decide introducir el formato de 8 mm durante la Gran Depresión. El objetivo es abastecer el mercado de películas caseras pero a precios todavía más asequibles. Aunque Hollywood había seguido experimentando con el sistema, la Gran Depresión supuso un duro golpe para su implantación. Aun así, el technicolor mejoro lo suficiente que en 1934 se uso para la película «El gato y el violín». Esta cámara dividía la luz en 2 con un prisma y luego se imprimía en 3 tiras de película. Esta combinación permitió el aprovechamiento de toda la gama de colores. Sin embargo, el tamaño de las cámaras y la necesidad superior de luz hizo que el blanco y negro todavía fuese la opción más popular.
A pesar de que la fotografía en 3D se remonta al siglo XIX, a mitad del siglo XX los principales estudios de Hollywood echaron mano de este sistema para atraer espectadores. Las cámaras empleadas para este tipo de efectos han de usar 2 lentes para grabar y 2 proyectores para mostrar las imágenes en 3D. La primera película producida usando este sistema fue «Bwana Devil».Debido a las dificultades de grabar en technicolor, el resto de las compañías de cámaras se lanzaran a intentar conseguir un proceso de coloreado más sencillo y menos costoso que grabe en una sola tira de filme. Aunque los resultados dejan mucho que desear, durante la decáda de los 50 serán lo suficientemente aceptables como para que Hollywood deje de emplear el technicolor de 3 tiras. La última película estrenada con este sistema será «Foxfire».
En febrero de 1965 Kodak lanza el filme de super 8mm, más fácil de usar y con mejor calidad. Debido a esto, el formato se volvería popular entre jóvenes directores y muchos de los futuros cineastas de Hollywood habrán trabajado con este sistema durante su adolescencia.
El IMAX nace del deseo de aprovechar la calidad de imagen del Cinerama sin la dificultad de emplear varias cámaras y pantallas.A lo que se llegó es a una sola pantalla, pero de mayor tamaño. Una pantalla IMAX tiene habitualmente un tamaño de 29×21 m. Las cámaras de IMAX graban en alta definición a 70 mm. En años recientes, el IMAX ha pasado de ser usado principalmente en documentales, a cada vez más ser empleado para cine de ficción. Sin embargo, debido al coste, tamaño y ruido de las cámaras estas solo se suelen emplear para determinadas escenas, con el fin de promover el formato IMAX, en 1985 se produce cine de no-ficción y cortos en 3D. Aunque las películas que utilizen este formato serán escasas a través de los años, James Cameron experimentara con el en varias ocasiones, culminando en la realización de «Misterios del Titanic» y «Avatar». En el 2003 «Misterio del Titanic», James Cameron estrena el primer largometraje en IMAX 3D. El director, entre otros cineastas, comenzará a empujar por este formato y el aumento del número de proyectores y salas que lo acomoden. Mientras Cameron trabaja en «Avatar», el nº de películas en 3D estrenadas y en producción va en aumento. Las cámaras digitales permiten abaratar el proceso y las 2 lentes se aproximan más al ojo humano, siendo capaces de variar y ajustar la distancia entre estas. El desarrollo de las cámaras digitales comenzó en los 80 por Sony. Durante los 90, directores como George Lucas empujarían por este nuevo formato, pero no fue hasta 2003 cuando la primera película filmada con camaras digitales se estrenó en todos los cines. Estas cámaras ofrecen alta resolución, aunque no tanta como el celuloide. El cambio hacia el cine digital se ha visto apoyado por costes más baratos, la manejabilidad del equipo y la digitalización de otras áreas de la producción de una película (edición, efectos especiales,…)
diciembre del 2012
48 FPS
Salvo por cortos experimentales y documentales, El Hobbit se convierte en la primera película rodada y estrenada en IMAX 3D a 48 fps.
Tanto Peter Jackson como James Cameron había avocado por este sistema de proyección, sin embargo, debido a la falta de salas adaptadas, el nº de cines donde se muestra este sistema es reducido. Los 48 fps permiten mayor resolución, una imagen más definida y un 3D más claro
El director Steven Spielberg no consiguió el permiso para firmar dentro de Auschwitz, así que las escenas del campo de exterminio fueron rodadas justo al lado, en un escenario construido como una copia exacta del emplazamiento real.La persona que pone las flores sobre las piedras en los créditos finales es Liam Neeson y no Spielberg como la gente cree.Martin Scorsese no quiso dirigir la película en los años 80, porque pensaba que al no ser judío no podría hacer una buena película sobre este tema.Para el papel de Oscar Schindler se pensó en los actores Kevin Costner y Tom Hanks, aunque finalmente fue Liam Nielson el que lo encarnó, cautivando a Spielberg por su forma de actuar.El actor Ralph Fiennes, que saltó a la fama con este film, engordó 15 kilos para encarnar al sanguinario Amon Goetz, jefe del Sonderkommando de Austchwitz.
