Niños en la Calle Santander de Panajachel, Guatemala.
La fotografía en blanco y negro, en ocasiones abreviado como B/N o en inglés B/W (de black y white), es una frase adjetiva utilizada sobre todo en cine y fotografía para describir varias formas de tecnología visual. La fotografía en blanco y negro se caracteriza por la ausencia de colorido, esto es debido a su naturaleza química, que se compone de haluros de plata. En un primer paso la película se expone a una determinada cantidad de luz en una cámara oscura o fotográfica, con lo que se obtiene una imagen latente que aún no se puede ver. Se revela con líquidos especiales y opcionalmente se pasa por un baño de paro y ya tenemos la imagen. Aún falta un paso, la fijación, esto es «fijar la imagen» para que sea químicamente estable y no reaccione a la luz ni otros agentes exteriores.
Muchas formas de tecnología visual se han desarrollado inicialmente en blanco y negro y han evolucionado paulatinamente para incluir color. La expresión blanco y negro se usa aún cuando en ocasiones las tecnologías visuales en cuestión incluyen varios matices de gris además del blanco y el negro o cuando se utiliza blanco y matices de un solo color como el sepia.
Al contar con tecnología para hacer imágenes en color, la fotografía en blanco y negro se continúa utilizando debido a diferentes cualidades que sólo ella ofrece, entre éstas: la ausencia de color permite al espectador concentrarse en la forma y relación de lo fotografiado sin tomar en cuenta los colores de los objetos.
Para que una fotografía en blanco y negro se considere buena debe de entrar en lo que se conoce como sistema de zonas, que a grandes rasgos es que la fotografía tenga toda la gama de grises, desde el blanco más blanco hasta el negro más negro. El sistema de zonas es una técnica de blanco y negro, que diseñó el fotógrafo Ansel Adams.
Entre los pioneros de la fotografía en blanco y negro en España destacan Miserachs, Terré y Maspons, además de Ramón Masats.
Fotografía Digital en Blanco y Negro
Para obtener fotografías en blanco y negro en una cámara digital no hace falta contar con equipamiento extra. La práctica totalidad de los modelos actuales permite realizar fotos en blanco y negro realizando un leve ajuste en los controles de la cámara. El proceso de conversión a blanco y negro se realiza mediante la aplicación de técnicas de procesado digital de imágenes. Por las posibilidades de la reedición y retoque posteriores, se pueden obtener fotografías en blanco y negro a partir de cualquier fotografía en color. Para ello, existen multitud de métodos que consiguen transiciones, brillos, contrastes y matices de diverso tipo.
Me gusta mucho este género de música, se puede apreciar mucho las voces de los cantantes y en muchos de los casos es a capella, cabe recalcar que no profeso ninguna religión…mas bien soy espiritual…creo en Dios 🙂
La música gospel, música espiritual o música evangélica, en su definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia.
La música gospel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como «Dios anuncia». A esta forma de cantar se le denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.
La fuerte división entre blancos y negros en EE.UU., especialmente entre iglesias de blancos y las de negros, ha mantenido separadas ambas ramas del gospel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el último medio siglo.
Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía. Entre los subgéneros se incluyen el Gospel tradicional, Reggae Gospel y Gospel rap, etc. Hoy en día hay infinidades de subgéneros llamados gospel , en realidad a cualquier ritmo se le junta la palabra gospel para que sea acepto por iglesias evangélicas con un carácter moderno.
La cantante, guitarrista y compositora Rosetta Tharpe fue la primera gran estrella de la música gospel , durante la aparición de la música pop en los años 30 y permaneciendo en la fama durante los años 40 con cientos de fanáticos, algunos que perdían su animo dado que actuaba en escenarios no religiosos regresaron con sus nuevos trabajos llenos de espiritualidad.
Aunque la música gospel es un fenómeno norteamericano, se ha extendido a lo largo del mundo: Australia dispone de grupos corales como The Elementals y Jonah & the Whalers y festivales como el Festival Australiano de Gospel y tiene un instituto que agremia los intérpretes La Asociación Australiana de Musica Gospel. Noruega tiene Ansgar Gospel, Canadá tiene en Québec dos coros importantes Montreal Jubilation Gospel Choir y Québec Celebration Gospel Choir.
En España existen diversos grupos, entre ellos el Coro Gospel Living Water de Madrid, el Cor Gospel Carlit, en Barcelona, el Institut de Gospel de Barcelona, el Coro Gospel de Madrid, el Coro Gloria (Valencia), el Coro Gospel Life de Asturias, el coro Gospel de Vigo, de León, Salamanca, de Castilla la Mancha, el Coro Blau Gospel (Comunidad Valenciana), el Coro de Gospel Good News de Simancas, el Xtrem Gospel (Extremadura), entre otros.
En Chile también existen coros gospel como el Coro Gospel «Encanto Negro» de Chile. Originarios de la ciudad de Quilpué comienzan este proyecto en el año 2001 recreando temas del jazz estándar como «All of me» y «Summertime». Con la llegada de nuevos integrantes se quizo explorar otros estilos donde el sonido vocal fuera el protagonista. Este coro está compuesto por 15 voces y 6 músicos, de todas las edades y de varias ciudades de la Quinta Región. Temas del gospel más clásico como «This little light of mine, «Oh happy Day», «Amazing Grace» llegando al gospel más contemporáneo forman parte de su repertorio.
Géneros
El gospel tradicional es aquel que básicamente se ha dado en Estados Unidos y que normalmente lo interpreta un coro, que puede tener uno o varios solistas y generalmente son coros a capella. Prevalecen los temas tradicionales frente al nuevo material musical.
Gospel Negro
Consiste en un canto espiritual, con ritmos africanos. Los coros son bastante numerosos, las líricas se acompañan de palmas y un movimiento ritmico por parte de los coristas.
Southern Gospel
Así se conoce a la forma musical que utiliza el esquema de cuarteto vocal: Primer Tenor – Segundo Tenor – Barítono – Bajo. El énfasis de este sonido se asienta en el aspecto armónico y vocal de su interpretación y en el acompañamiento como un elemento secundario basado en solos de piano o guitarra. En la actualidad los grupos y cuartetos Southern Gospel emplean pequeñas bandas, orquestas y coros, así como bases instrumentales pregrabadas para el acompañamiento de sus canciones. El término Southern (sureño) enfatiza el origen del subgénero en los estados del sur de Estados Unidos, muy relacionado con otras formas propias del mismo ámbito geográfico, tales como el Hillbilly y el Bluegrass.
Gospel Choir
Es un gospel que rompe los esquemas más conservadores del género mezclando con energía la tradición con otros estilos, como el funk y el Blues.
Scriptures
Son casi en su totalidad grabaciones en las que sobresale la recitación de los textos religiosos acompañado de un hilo musical, o sin él. Las partes cantadas o las apariciones de coros son escasas. Suele estar interpretado por predicadores, de los que han destacado J.M. Gates Moses Mason y otros.
Gospel contemporáneo
El gospel contemporáneo es considerado una evolución del gospel tradicional de las iglesias negras evangélicas de Estados Unidos, ahora con baterías mas estridentes, guitarras eléctricas y muchas veces con danzas y coreografías que no tienen nada que envidiarle a grandes espectáculos. La puesta en escena (decorados e iluminación) cobran un papel más importante.
William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino Unido c. 26 de abril de 1564jul. – ibídem, 23 de abriljul./ 3 de mayo de 1616greg.) fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.
La New Encyclopædia Britannica, señala que «muchos lo consideran el mayor dramaturgo de todos los tiempos. Sus piezas […] se representan más veces y en mayor número de naciones que las de cualquier otro escritor».
Las obras de Shakespeare han sido traducidas a las principales lenguas y sus piezas dramáticas continúan representándose por todo el mundo. Además, muchas citas y aforismos de sus obras han pasado a formar parte del uso cotidiano, tanto en el inglés como en otros idiomas. Con el paso del tiempo, se ha especulado mucho sobre su vida, cuestionando su sexualidad, su afiliación religiosa, e incluso, la autoría de sus obras.
El autor
Biografía
Existen muy pocos hechos documentados en la vida de William Shakespeare. Lo que sí se puede afirmar es que fue bautizado en Stratford-upon-Avon, Warwickshire, el 26 de abril de 1564 y que murió el 23 de abril de 1616, según el calendario juliano, poco antes de cumplir los 52 años.
Comienzos
La residencia en Stratford, conocida como el lugar de nacimiento de Shakespeare (aunque es incierto). Se dice que el poeta y dramaturgo habría nacido en la habitación con las ventanas a cuadros.William Shakespeare (también deletreado Shakspere, Shaksper y Shake-speare, porque la grafía en tiempos isabelinos no era ni fija ni absoluta[3] ) nació en Stratford-upon-Avon, en abril de 1564. Fue el tercero de los ocho hijos que tuvieron John Shakespeare, un próspero comerciante que llegó a alcanzar una destacada posición en el municipio, y Mary Arden, que descendía de una familia de abolengo.
Nació cuando su familia vivía en la calle Henley de Stratford; no se conoce el día exacto, puesto que entonces sólo se hacía el acta del bautismo, el 26 de abril en este caso, por lo que es de suponer que nacería algunos días antes y no más de una semana, según era lo corriente; la tradición ha venido fijando como fecha de su natalicio el 23 de abril, festividad de San Jorge, tal vez por analogía con el día de su muerte, otro 23 de abril, en 1616, pero esta datación no se sustenta en ningún documento.
El padre de Shakespeare, que se encontraba en la cumbre de su prosperidad cuando nació William, cayó poco después en desgracia. Acusado de comercio ilegal de lana, perdió su posición destacada en el gobierno del municipio. Se ha apuntado también que tal vez tuvo que ver en su procesamiento una posible afinidad con la fe católica, por ambas partes de la familia.[4]
William Shakespeare cursó probablemente sus primeros estudios en la escuela primaria local, la Stratford Grammar School, en el centro de su ciudad natal, lo que debió haberle aportado una educación intensiva en gramática y literatura latinas. A pesar de que la calidad de las escuelas gramaticales en el período isabelino era bastante irregular, existen indicios en el sentido de que la de Stratford era bastante buena. La asistencia de Shakespeare a esta escuela es mera conjetura, basada en el hecho de que legalmente tenía derecho a educación gratuita por ser el hijo de un alto cargo del gobierno local. No obstante, no existe ningún documento que lo acredite, ya que los archivos parroquiales se han perdido. En esa época estaba dirigida por John Cotton, maestro de amplia formación humanística y supuestamente católico; una Grammar School (equivalente a un estudio de gramática del XVI español o al actual bachillerato) impartía enseñanzas desde los ocho hasta los quince años y la educación se centraba en el aprendizaje del latín; en los niveles superiores el uso del inglés estaba prohibido para fomentar la soltura en la lengua latina; prevalecía el estudio de la obra de Esopo traducida al latín, de Ovidio y de Virgilio, autores estos que Shakespeare conocía.
El 28 de noviembre de 1582, cuando tenía 18 años de edad, Shakespeare contrajo matrimonio con Anne Hathaway, de 26, originaria de Temple Grafton, localidad próxima a Stratford. Dos vecinos de Anne, Fulk Sandalls y John Richardson, atestiguaron que no existían impedimentos para la ceremonia. Parece que había prisa en concertar la boda, tal vez porque Anne estaba embarazada de tres meses. Tras su matrimonio, apenas hay huellas de William Shakespeare en los registros históricos, hasta que hace su aparición en la escena teatral londinense. El 26 de mayo de 1583, la hija primogénita de la pareja, Susanna, fue bautizada en Stratford. Un hijo, Hamnet, y otra hija, Judith, nacidos mellizos, fueron asimismo bautizados poco después, el 2 de febrero de 1585; Hamnet murió a los once años, y solamente llegaron a la edad adulta sus hijas. A juzgar por el testamento del dramaturgo, que se muestra algo desdeñoso con Anne Hathaway, el matrimonio no estaba bien avenido.
Los últimos años de la década de 1580 son conocidos como los ‘años perdidos’ del dramaturgo, ya que no hay evidencias que permitan conocer dónde estuvo, o por qué razón decidió trasladarse de Stratford a Londres. Según una leyenda que actualmente resulta poco creíble, fue sorprendido cazando ciervos en el parque de Sir Thomas Lucy, el juez local, y se vio obligado a huir. Según otra hipótesis, pudo haberse unido a la compañía teatral Lord Chamberlain’s Men a su paso por Stratford. Un biógrafo del siglo XVII, John Aubrey, recoge el testimonio del hijo de uno de los compañeros del escritor, según el cual Shakespeare habría pasado algún tiempo como maestro rural.
La cultura de Shakespeare
Aunque es mucho lo que se desconoce sobre la educación de Shakespeare, lo cierto es que el artista no accedió a una formación universitaria y su amigo Ben Jonson, que sí la tenía, lamentó en alguna ocasión «su escaso latín y aun menos griego», lo que no fue óbice para que le llamara además «dulce cisne del Avon» y añadiera que «no es de un siglo, sino de todos los tiempos». En cierta manera, su escasa instrucción fue una ventaja, ya que su cultura no se moldeó sobre el patrón común de su tiempo; como autodidacta, William Shakespeare, según señaló un experto conocedor y traductor de su obra completa, Luis Astrana Marín, tuvo acceso a fuentes literarias sumamente raras gracias a la amistad que sostuvo con un librero. Los análisis de sus escritos revelan que fue un lector voraz; algunos de ellos son auténticos centones de textos extraídos de las fuentes más diversas; una especial importancia tuvieron para él como fuente los historiadores ingleses, en especial las Chronicles of England, Scotland and Ireland (1577) de Raphael Holinshed, las Vidas paralelas de Plutarco en la retraducción desde la versión francesa de Jacques Amyot realizada por su amigo Thomas North (1573) y los Ensayos de Montaigne, así como novellieri (de Mateo Bandello proviene la historia de Como gustéis y la de Romeo y Julieta, que también inspiró Castelvines y Monteses de Lope de Vega) y misceláneas de todo tipo, algunas de ellas españolas, como las Noches de invierno de Antonio de Eslava o la Silva de varia lección de Pero Mexía. También estaba versado en mitología y retórica, si bien su estilo unas veces rehúye conscientemente las rígidas y mecánicas simetrías de esta última y otras se muestra demasiado jugador del vocablo, como correspondía entonces a la moda conceptista del Eufuismo, difundido por John Lyly y a su vez procedente del estilo de Antonio de Guevara, si bien Shakespeare se pronunció contra los excesos de ese estilo.
No destacó en absoluto por su historial académico; de hecho, sus estudios no alcanzaban a las exigencias de su tiempo; su talento estribaba en su capacidad de hacer algo radicalmente nuevo con lo viejo, a lo que insuflaba nueva vida. En vez de inventar o apelar a la originalidad, tomaba historias preexistentes, como la de Hamlet, y le otorgaba aquello que le faltaba para la eminencia. Sin embargo, algunas de sus obras se instalan deliberadamente al margen de toda tradición, como los Sonetos, donde se invierten todos los cánones del petrarquismo, elaborando un cancionero destinado a un hombre y donde se exige, ni más ni menos, el abandono del narcisismo del momento (?) para engendrar la trascendencia de la eternidad por el amor (?), lo que puede parecer bastante abstracto, pero es que son así de abstractos y enigmáticos estos poemas, cada uno de los cuales encierra siempre un movimiento dramático, una invocación a la acción
Shakespeare a través del tiempo
Epitafio y tumba de Shakespare en la Holy Trinity Church.Cada época histórica ha primado determinadas obras según las preocupaciones e intereses imperantes. El concepto de «justicia poética» que prevaleció en el siglo XVIII provocó el rechazo de muchas de las tragedias de Shakespeare, ya que según sus criterios el teatro debía promover ejemplos de virtud. El crítico inglés Samuel Johnson (1709-1784) no aceptó el desenlace del Rey Lear, que consideró cruel e innecesario, y la versión de 1681 de Nahum Tate sustituyó a la de Shakespeare hasta mediados del siglo XIX, asombrando con su gran éxito al público lector: en ella hay un final feliz en el que Cordelia y Lear consiguen triunfar sobre los obstáculos, y la protagonista se casa con Edgardo, legítimo heredero del conde de Gloucester.
Hacia 1772, el famosísimo actor Garrick modificó buena parte de Hamlet al suprimir la escena de los sepultureros y eximir a Laertes de toda culpa referente al veneno que portaba en su espada. Es más, la reina Gertrudis consigue sobrevivir para llevar una vida de arrepentimiento, lo que no ocurre en el original.
En 1807 Thomas Bowdler publicó Family Shakespeare, una versión modificada para hacerla, según su criterio, más apta para mujeres y niños, que no pudiese «ofender a la mente virtuosa y religiosa». Esta adaptación dio origen a la palabra inglesa bowdlerize, que designa a la censura puritana.
Así pues, la adaptación, interpretación y retorsión de la obra shakespeariana fue durante largo tiempo el producto de unos intereses morales, políticos y estéticos concretos, y escamotearon la sombría concepción de la vida que ofrece genuinamente Shakespeare.
El largometraje de Laurence Olivier, Enrique V, filmado en honor a los combatientes de la Segunda Guerra Mundial, hizo que determinados pasajes fueran resaltados para animar el patriotismo británico; el más significativo fue la arenga del monarca a sus tropas antes de la batalla de Agincourt contra las tropas francesas. Lo mismo cabe decir sobre innúmeras adaptaciones teatrales y cinematográficas hasta estas mismas fechas.
Esta imagen trata de la obra Sueño de una Noche de Verano, es mi obra favorita de este autor se la recomiendo 😉
Juan Luis Guerra Seijas (Santo Domingo, República Dominicana, 7 de junio de 1957) es un cantautor y productor musical dominicano. Ha vendido hasta el momento más de 20 Millones de copias en todo el mundo, siendo así uno de los principales íconos de la música latina. Guerra ha ganado 18 Grammys, entre ellos 3 de la academia norteamericana. Esto lo convierte en uno de los artistas con más gramófonos de América Latina. Su estilo propio, una mezcla de merengue, bolero y salsa con fusiones afroantillanas, ha cosechado un éxito considerable no solamente en su país natal sino también en el extranjero. Juan Luis Guerra se asocia a veces con la música popular llamada bachata dominicana, y aunque esta asociación es en parte cierta, realmente utiliza los conceptos básicos de ese ritmo mezclándola con bolero y añadiéndole así más melodía a algunas de sus canciones. No se limita a un estilo de música, en cambio, incorpora diversos ritmos como el merengue, la bachata-bolero, balada, salsa e incluso gospel.
Biografía
Juan Luis Guerra es hijo del matrimonio conformado por el finado jugador de baloncesto Gilberto Guerra y la señora Olga Seijas. Nació y creció en la ciudad de Santo Domingo. Al concluir la secundaria, cursó durante un año Filosofía y Literatura en la Universidad Autónoma de Santo Doming (UASD), luego decidió que la música era su vocación y se cambió al Conservatorio Nacional de Música. La «Casa de Teatro» se convirtió en el primer espacio donde Juan Luis Guerra se presentó como «cantautor». Al concluir sus estudios en el Conservatorio de Santo Domingo, decidió estudiar composición y arreglos en el Berklee College of Music en Boston (Estados Unidos). A este viaje va con muchas expectativas y con una carta que, a petición de una amiga, debía entregar a una estudiante de diseño llamada Nora Vega, con quién posteriormente se casó. Juan Luis Guerra es considerado uno de los compositores más famosos y relevantes de la música popular latinoamericana. Guerra ha llevado la música de su tierra a público diverso gracias a las fusiones exitosas que ha hecho con el rock, el blues y el gospel. Ha brincado del género tropical hasta la radio pop juvenil.
Vida personal
Juan Luis se considera una persona muy tímida, condición que ha tenido que ir superando con el tiempo. A principio de los años 80’s Guerra conoció a Nora Vega, una estudiante de diseño, con quien tuvo un noviazgo de cuatro años antes de contraer matrimonio. La pareja tiene 2 hijos, Jean Gabriel y Paulina. En 1994 Juan Luis se convierte al cristianismo evangélico y cambia el giro de su carrera y composición hacia temas más espirituales.Guerra tiene que vivir una lucha diaria con los medios de comunicación, pero aún sigue con una humildad característica. Comentan algunos periodistas y paparazzi que Juan Luis interactua con ellos y hasta incluso les comenta su agenda.
Guerra es fanático de los Boston Celtics, equipo de NBA.
Juan Luis Guerra – Quisiera
Haaaaaaaaaaaaa amó esta cancion 😀 Es poesía hecha canción, la mejor manera de decir Te Amó <3
Jack Hody Johnson (Oahu, Hawaii, EE. UU., 18 de mayo de 1975), conocido como Jack Johnson, es un músico estadounidense. El éxito comercial le llegó tras publicar su primer álbum Brushfire Fairytales.
Biografía
Inicios en la música
Ha pasado de ser un cineasta que hacía películas de surf de 16 mm, a ser un reconocido cantante y compositor. Tras pasar la mayor parte de 2003 en la carretera apoyando su disco On and On, aminoró un poco la marcha en 2004 para darle la bienvenida a su recién nacido bebé, y ahora Johnson ya está listo para sacar su tercer trabajo, el más optimista hasta la fecha, In Between Dreams.
Criado en la isla hawaiana de Oahu, Johnson prácticamente comenzó a practicar el surf antes que a andar. El menor de tres hermanos locos por las olas, y padre de un hijo, la mayoría de las lecciones que Johnson aprendió de la vida se desarrollaban en el agua. Con Pipeline en su jardín, Johnson comenzó a practicar el surf a la edad de doce años, a los diecisiete fue invitado a competir en el Pipe Masters, y un mes después sufrió un accidente de surf que le mantuvo alejado del agua durante tres meses. Aunque Johnson había empezado a tocar la guitarra cuando era un adolescente, fueron estos largos meses de reclusión obligatoria los que le permitieron afinar su destreza a la guitarra y encontrar sus influencias dentro de una amplia gama de músicos, desde Cat Stevens a Fugazi.
A los dieciocho años Johnson dejó las islas para estudiar cine en la Universidad de California en Santa Barbara. Tras graduarse en 1997, Johnson comenzó una aventura de un año alrededor del mundo con sus viejos amigos del surf, Chris y Emmett Malloy. El resultado fue la aclamada película de surf de 16 mm, Thicker Than Water, un homenaje a la belleza purista de las primeras películas de surf, la cual fue co-dirigida y filmada por el propio Johnson. Fue durante la preparación de la película cuando Johnson encontró su voz musical. Antes del lanzamiento de las canciones soul folk de Johnson en 1999, llenas de sabores de blues y hip hop, ya habían empezado a circular las grabaciones en directo por todas las esquinas de la comunidad surf mundial.
En esta época Johnson conoció a su compañero surfista, Garrett Dutton (alias G. Love) quien grabó «Rodeo Clowns» de Johnson para el disco G. Love & Special Sauce Philadelphonic también publicado en 1999. La grabación pronto llegó a las radios y la reputación de Johnson como músico traspasó las fronteras de la comunidad surf. A pesar de las ofertas de contratos, Johnson prefirió escaparse al Pacífico Sur a grabar su segunda película, The September Sessions. Cuando Thicker Than Water fue nominada Película del Año en la revista Surfer y su continuación, The September Sessions consigió el Adobe Highlight Award en el ESPN Film Festival, la cinta con las grabaciones en directo de Johnson cayó en las manos del músico Ben Harper y su manager/productor, J.P. Plunier fue quien ayudó a Johnson a hacer un disco.
En enero de 2001, el debut de Johnson, Brushfire Fairytales, se publicaba en Enjoy Records; un sello indie fundado por el veterano AR Andy Factor y por Plunier, los cuales produjeron el disco. Brushfire Fairytales fue un impresionante debut por numerosas razones: desde el inicio, «Inaudible Melodies»- que parece llevar la filosofía personal de Jack hacia un coro que canta «Calmaros/Vais demasiado deprisa» – hasta el himno «Flake,» Brushfire Fairytales consiguió que mucha gente de todo el país se interesara por Jack Johnson. Mientras abría la gira de cuatro meses de Ben Harper, por Estados Unidos y Australia, en 2001, Brushfire Fairytales empezó a expandirse como la pólvora entre el entusiasta público de Harper. Hacia el otoño, Johnson, junto con el batería, Adam Topol, y el bajista, Merlo Podlewski, ya tenían sus conciertos en clubs completamente sold out. En el transcurso de un año desde la publicación del álbum, habían vendido 100.000 copias, en Enero d 2003, consiguió el disco de platino.
En mayo de 2003, Johnson publicó su segundo álbum, On and On, que fue producido por Mario Caldato Jr, conocido por su trabajo con Beastie Boys, en el álbum figuraba la misma formación de la banda que en Brushfire Fairytales: Jack a la voz y la guitarra, Adam Topol a la batería y Merlo Podlewski al bajo. On and On mezclaba las baladas profundas de amor y las sencillas y alegres melodías con temas más serios como el materialismo, la industrialización, las matanzas en colegios, el mercado del petróleo y la guerra. La verdad interior y el comentario social que ya eran evidentes en las primeras canciones de Johnson en Brushfire Fairytales, ya habían madurado en On and On.
La publicación de On and On sirvió de lanzamiento para el nuevo sello de Johnson, Brushfire Records, y consiguió unas ventas de más de un millón de copias en su primer año. Además durante ese año Brushfire Records le dio la bienvenida a los antiguos amigos de Jack, G. Love y Donavon Frankenreiter, un músico y surfero profesional, y publicó la banda sonora original de las películas de Johnson, Thicker Than Water y The September Sessions.
El 1 de marzo de 2005, Johnson publica su tercer álbum de larga duración, In Between Dreams. Johnson junto a Topol y Podlewski presentan un disco lleno de canciones acústicas elegantemente embellecidas, que crean una atmósfera hipnotizadora cargada de grooves funk. In Between Dreams fue grabado en Hawaii y Los Angeles y ha sido producido por Mario Caldato, Jr., con los arreglos de Robert Carranza, el mismo dúo que estuvo tras los controles en On and On en 2003. In Between Dreams presenta además la contribución del amigo de Jack, Zach Gill de Animal Liberation Orchestra, al piano y al acordeón.
Las canciones de In Between Dreams son nostálgicas y románticas. «Better Together,» con sus fotos en sepia, es una canción de amor que Johnson escribió para su esposa, Kim: «No siempre es fácil y a veces la vida puede defraudarnos/Pero te diré una cosa, siempre es mejor si estamos juntos.» La optimista «Staple It Together» nos recuerda que nos repleguemos cuando la vida es dura, mientras «If I Could,» una canción tranquila y melódica, es un profundo adiós a un amigo: «Escuché las palabras de un amigo al teléfono y no sonaban muy bien/El médico le había dado dos semanas de vida/Yo le daría más, si pudiera.» Algunas canciones, como «Bella,» donde predomina el acordeón, son anteriores a Brushfire Fairytales, mientras que otras como «Crying Shame,» fueron escritas a medida que el álbum se iba haciendo. El primer single del álbum, «Sitting, Waiting, Wishing,» trata de la divertida adquisición de una chica por parte de un amigo.
Habiendo comenzado a hacer música en las barbacoas familiares y en los viajes de surf, debe de ser surrealista el hecho de que Johnson se encuentre ahora viajando por todo el mundo con su banda, tocando en programas de televisión y llenando anfiteatros. Pero la realidad es que Johnson lo ha logrado todo como artista durante los últimos años, y no sólo como músico, también como cineasta y como padre. Su tercer trabajo de larga duración, In Between Dreams, deja su firma en ese sonido que adoran los fans de todo el mundo, en una optimista colección de canciones que todo el mundo está deseando cantar.
Su carrera profesional
Ben Harper escuchó algunas de sus canciones y no dudó en contratarlo para su sello discográfico, Enjoy Records. Así, con la edición del álbum Brushfire Fairytales, en Marzo del 2001, comenzó su exitosa carrera musical.
Sus canciones Bubble Toes, Flake, Fortunate Fool o F-Stop Blues fueron un hit entre adolescentes y universitarios. Los críticos lo compararon con Ben Harper y con Dave Matthews. El álbum vendió más de un millón de copias. Las canciones son populares, cuentan historias simples de amor y desencuentros.
Posteriormente en el año 2003 creó su propio sello discográfico al que bautizó Brushfire Records. En este año publicó su segundo disco titulado “On and On”, donde mantuvo el mismo estilo que el anterior, pero su temas fueron más profundos como el del medio ambiente, la guerra y la obsesión capitalista del negocio como eje de la vida.
En una entrevista al The New York Times contó que su tercer trabajo, In Between Dreams, surgió de la decepción que sintió en 2004 luego de que George W. Bush fuera reelegido presidente. «Esto me decepcionó porque puse un poco de energía para tratar de echar a andar un pequeño cambio», dijo.
En este disco encontramos canciones donde hace una crítica social como es el caso de Good People, pero por otro lado temas como Sitting, Waiting, Wishing, Better Together y Constellations que son las perlas del álbum.
Su penúltimo trabajo es la banda sonora original de la película Curious George. Con la colaboración de sus amigos de siempre —Ben Harper, G. Love y Matt Costa— se trata de un gran disco, acústico y alegre, que como toda la música de Johnson se balancea entre el folk, el reggae y rock.
Jack Johnson en el Austin City Limits Festival 2004.
Siguiendo con el estilo que lo caracterizó en sus tres primeros albumnes, a principios de 2008 lanzó al mundo Sleep Through the Static, con el detalle de que fue grabado 100% con energía solar. Catorce canciones entre las que destacan la que le da el nombre al disco, Angel, If I Had Eyes y What You Thought You Need.
Jack Johnson considerado entre algunos críticos como el “beach boy” del siglo XXI por su vinculación al surf y a la música se ha convertido en un icono dentro del mundo de la música y del surf. Su música permite algunos relajarse, sentirse cerca de la playa o incluso encima de una ola ya que al igual que otros artistas, forma parte de la banda sonora de los viajes de cualquier surfero o amante de la naturaleza.
Su última película “A broken down melody”, transmite junto a amigos suyos como Gerry Lopez o el nueve veces campeón del mundo Kelly Slater, el verdadero espíritu del surf mediante sus imágenes y como no, mediante su música.
En 2010 anunció el lanzamiento de un nuevo trabajo discográfico titulado To The Sea, que saldrá a la venta el 4 de junio. Este nuevo álbum estará conformado por 14 canciones co-producidas por el mismo Johnson.
Las artes visuales psicodélicas existieron paralelamente a la música psicodélica. Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales, revistas de historietas, periódicos underground y más, reflejaban no sólo los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones en LSD sino también sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por estos estados psicodélicos de conciencia.
En esta oportunidad, queremos presentarles a un destacado artista psicodélico, visionario y Norteamericano llamado Phil Lewis. En sus obras podemos observar su fascinación en temas como la muerte, representada desde sus primeros dibujos, hasta sus esculturas, pinturas y performances más recientes. Realiza sus trabajos, desarrollando un estilo de arte que combina los dibujos con pluma y el diseño digital. Casi siempre empieza con líneas de trazo negro y, a continuación, los dibujos en color con marcadores Sharpie y Prismacolor. Luego escanea los dibujos en Photoshop y retoca a pincel algunas de las secciones, agrega sombreado, efectos y ajusta los colores hasta que sean tan “pop” como sea posible. Entonces imprime las imágenes digitales sobre un fino lienzo.
A continuación les mostramos algunas imágenes del proceso de creación de este artista increíble. Disfrútenlo.
Así empieza a tomar forma, después de 10 horas de trabajo
Una vez que cada pequeña sección ha sido rellenada con diferentes patrones, deja de lado el negro y empieza a pensar en color. A todo esto se suman 6 horas más de trabajo
Continúa por los colores
Luego de 35 horas de trabajo, retoques digitales en el fondo y mucha creación, surge la obra final
El arte (del lat.ars, artis, y este calco del gr.τέχνη)[1] es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.[2] El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.
La noción de arte continúa hoy día sujeta a profundas polémicas, dado que su definición está abierta a múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción, pudiendo designar cualquier actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de “arte culinario”, “arte médico”, “artes marciales”, “artes de arrastre” en la pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como “bellas artes”, actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo sustituido por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este artículo se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo.
Concepto
Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster.
La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte sólo se consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.
El término arte procede del latínars, y es el equivalente al término griego τέχνη (téchne, de donde proviene ‘técnica’). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne -> técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso.[3] En la actualidad, es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos.
